ÚLTIMO TEMA.

Peter Thomas Blake (Dartford, Inglaterra, 25 de julio de 1932), pintor inglés contemporáneo.
Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956).
Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.




El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales comoanuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.




PINTURA:



Características: on the balcony 1955-7
Óleo sobre lienzo
apoyo: 1213 x 908 mm marco: 1324 x 1017 x 50 mm
pintura
Presentado por la Sociedad de Arte Contemporáneo 1963.


Descripción: On the balcony(1955-57) es un trabajo inicial importante y se mantiene como una de las piezas icónicas del arte pop británico, mostrando un interés de Blake en la combinación de imágenes de la cultura pop con obras de arte. La obra, que parece ser un collage, pero en realidad es totalmente pintada, muestra, entre otras cosas, un chico de la izquierda de la composición de la celebración de Edouard Manet 's tjhe balcony, insignias y revistas. Fue inspirado por una pintura de Honoré Sharrer que representa la celebración de los trabajadores de las famosas pinturas.

ÚLTIMO TEMA.

Ernst Barlach, escultor expresionista alemán, nacido el 2 de enero de 1870, en Wedel, Holstein (Pinneberg), Alemania - fallecido enRostok (Güstrow), el 24 de octubre de 1938, destacó también como diseñador y escritor.
Ernst Barlach fue el mayor de cuatro hijos, del doctor Georg Gottlieb Barlach († 1884) y su esposa Joan Louise Vollert. Desde su infancia Barlach demostró especial talento para el diseño gráfico.
Después de estudiar en la Escuela de Artes de Hamburgo, entre 1888 y 1891, entró a la Academia de Artes de Dresde hasta 1895, asistiendo a la clase magistral del escultor Robert Diez. Su última obra allí fue la Krautpflückerin.
Se trasladó a París, donde permaneció dos años, ocupándose principalmente del trabajo escrito.
Desde 1897 estubo viajando de ciudades en ciudades y de países en países.
Barlach se había visto obligado a abandonar la Academia Prusiana de Bellas Artes en 1937 y más de 400 de sus obras fueron retiradas de los museos alemanes por ser consideradas como arte degenerado. Su exhibición de 1937 fue prohibida.





El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras(1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa.



PINTURA:



Características: Utiliza colores como el verde el rojo y el azul en todo el cuadro, también se pueden apreciar tonos de amarillo. Nos inspira a una mujer mexicana y su marido o amigo detrás de ella con la sensación de estarla vigilando. El primer plano es la mujer y como segundo esta su compañero que solo capta una pequeña parte del cuadro y tras haber echado un primer vistazo a la mujer que capta toda la atención.
La luminosidad se reparte igual en todo el cuadro sin dar sombra alguna. Los colores oscuros se utilizan para el pelo de la chica y la parte inferior del sombrero del señor de resto se intenta transmitir sensación de estabilidad al cuadro. Las cara de la señora es poco expresiva representa por así decirlo, cansancio y aburrimiento. También me atrevería a decir que se trata de una mujer salida de las sociedades altas de la época. Ya sea un retrato real o no el autor intentaba expresar una persona pudiente y de dinero cosa que se refleja en su traje, puesto e es muy recargado y con colores típico de México.

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Bueno…. Para el trabajo de sociales hemos escogido estas tres pinturas que describiremos a continuación: “las señoritas de Aviñón, el fugitivo y on the balcony”.


Pablo Ruiz Picasso (nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. Y murió en Mougins, Francia el 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues.



El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismomás, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

PINTURA:



Características:
Autor: Pablo Picasso.
Año: 1907
Técnica: óleo sobre lienzo
Dimensiones: 244 x 234 cm.
Gama de colores: rosa, ocre, azul y blanco.
Ubicación actual: Museo de Arte Moderno de Nueva York (EE.UU.)

Descripción: Es el cuadro que marcó el comienzo de la Época Negra de Picasso, es la referencia clave para hablar de cubismo. Rompe con el Realismo, con los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. En general, las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco.